Cette année encore, j'ai été heureux d'écouter toutes vos interprétations magnifiques. Certaines avaient le charme d'un nouveau-né, du point de vue de l'innocence.
Alors, je voudrais vous parler de la différence entre la musique instrumentale et le chant. Un exemple facile à comprendre, c'est la variation. D'abord, elle expose souvent un chant simple, puis suivent plusieurs variations de techniques instrumentales, qui parfois atteignent le nombre de plusieurs dizaines. Parmi les œuvres d'aujourd'hui, certaines étaient du style du chant. Une partie joue toujours la mélodie principale, les autres toujours l'accompagnement ; c'est le style de musique le plus simple. Il y a ce qui est le chant, et ce qui ne l'est pas, c'est ça, le style qu'on appelle « chant ». D'autre part, il y a eu quelques interprétations qui commençaient dans un style instrumental contemporain, mais qui, au milieu, se changeaient presque toujours en un chant lent.
Quand j'étais étudiant, mon professeur de composition me taquinait parfois en me disant que si je ne pouvais m'empêcher d'aimer le chant, c'était que nous sommes fondamentalement un peuple agricole. Mais la musique instrumentale offre des possibilités plus vastes que le chant. Ne vous satisfaites pas du chant. Honneur à la musique instrumentale !

À propos, alors que dans les deux cas la musique est interprétée par des lycéens, il me semble qu'il y a une différence de niveau entre la musique instrumentale (mandolines, guitares ou instruments à vent) et la musique chorale. Quand on écoute un concours de chœurs, la pièce exigée est facile, mais la pièce libre présentée à un concours national par un lycée est d'un niveau presque professionnel sur les points « musicalité » et « justesse ».
Pourquoi la musique instrumentale ne peut-elle pas atteindre ce même niveau ? Est-ce seulement parce qu'il est difficile de produire les sons ? Ou bien parce que, comme tout le monde ne peut pas participer, sans un instrument quelconque, les ressources humaines sont-elles limitées ? En tout cas, force est de constater que notre musique a inévitablement tendance à être enfantine.
…Comme pour Socrate, la pire ignorance est celle qui s'ignore elle-même. Au lieu d'en avoir honte, nous allons en prendre conscience et l'améliorer.
La musique, c'est le plus tardif de tous les arts. Dans l'ordre de l'évolution viennent la littérature (qui demande seulement l'écriture), la peinture, l'architecture, et enfin la musique. Plus un art nécessite des efforts, moins il évolue tôt. Il est certainement strict, mais il suscite un grand enthousiasme, comme des applaudissements. Honneur à la musique instrumentale qui demande des efforts acharnés ! Mais, apprenons aussi la musique chorale. Voilà, c'est monochrome aussi.

(Discours critique que j'ai prononcé à la fin du « 21e Concert des ensembles de mandolines et de guitares de l'Association Culturelle des Lycées de Shizuoka » en novembre 2017)

J'ai été surpris d'entendre quelques interprétations de cette année qui étaient d'un plus haut niveau que celles des précédentes rencontres. Sur l'interprétation, comme sur la composition, tous les candidats sélectionnés me semblent avoir préféré des œuvres compliquées. Etait-ce dû au concours ? Pourtant, plus un message est simple, plus il est fort. Même si la technique, bien développée, permet d'obtenir une finesse compliquée, l'essence est toujours simple.
Les indications données sur une partition, comme les accents, les liaisons d'accentuation ou les ritardando etc. sont l'assaisonnement. Si on mange en pensant aux effets de chaque ingrédient, comme « Prendre du sel après avoir transpiré », « Les acides aminés, le vinaigre, sont bons pour la santé », le repas ne sera pas délicieux. On peut oser ne pas prendre d'assaisonnement si on ne l'aime pas. Ce qui compte, c'est d'apprécier ce qu'on mange et de bien le digérer, pour le transformer en énergie.
Il en va de même pour la musique : on ne peut pas émouvoir quand on se contente de la produire avec exactitude. Lorsqu'un cuisinier voit au-delà de l'ordre des notes, dans un style personnel, il est temps pour lui de grossir les rangs des professionnels. Cette année, il y a eu de tels moments. Mes félicitations à tous les candidats sélectionnés !

(Discours critique que j'ai prononcé à la fin du « 30e concours musical de Shimamura » à la Salle Kioï à Tokyo)

Cette année encore, j'ai été heureux d'écouter vos interprétations enthousiastes. Notamment, il est intéressant que deux ensembles aient interprété la même œuvre, l'un comme un rêve d'enfant, l'autre d'une manière tendue et sans détour.
Parmi les œuvres d'aujourd'hui, il y avait des arrangements adroits, mais d'autres étaient moins habiles. Certains d'entre eux auraient été maîtrisés par des lycéens ? D'abord, je tiens à vous en féliciter, mais je voudrais aussi ajouter ceci :
Même si l'œuvre est la même ou composée des mêmes notes, l'interprétation change clairement et de plus chaque interprète éprouve du plaisir, c'est ça, l'arrangement. En général, je trouve que les compositions ou les arrangements d'œuvres pour ensemble des compositeurs de talent sont meilleures que ceux des mandolinistes ou des guitaristes. Mais pourquoi ?
Je suppose que quel que soit l'instrument, ce qui est fondamental, c'est d'avoir le sens de la composition ou de l'arrangement.
Meilleure est la partition que vous interprétez, plus vous obtenez de choses et plus vous serez émus, cela enrichira votre vie.

Puisque la musique, comme le sport, est toujours l'ultime et irremplaçable occasion, cela émeut. Mais je ne dis pas qu'on ne doit pas essuyer d'échec, ni arranger par soi-même. Parce que c'est une attitude précieuse de se lancer des défis, sans peur de l'échec, de combattre les idées préconçues en brisant les stéréotypes, et de savoir apprendre de ses échecs.
Je vous souhaite de faire l'expérience de « la palpitation durable. »

(Discours critique que j'ai prononcé à la fin du « 20e Concert des ensembles de mandolines et de guitares de l'Association Culturelle des Lycées de Shizuoka » en novembre 2016)

Il y a une difficulté à surmonter lors des concours, il en est de même lors des concerts. Notamment, sur la scène d'une magnifique salle de concert, comme la somptueuse salle Kioï qui nous accueille ce soir, (« Kioï », qui peut aussi vouloir dire en japonais, comme vous le savez sans doute, « le zèle ») on est soumis à une pression telle qu'on pense d'emblée : « Ouah ! Il faut que je joue comme un pro ! » Cependant, on ne doit pas céder à cette pression, ni faire d'excès de zèle ; c'est là toute la difficulté. Alors, « l'état de flow » est un état qu'on retrouve aussi dans la psychologie du sport. C'est un état mental rare, qu'un athlète atteint lorsqu'il est complètement absorbé par une activité, et se trouve dans un état de concentration maximale telle que c'est comme si une autre personne agissait à sa place.
N'en va-t-il pas de même pour les musiciens ? Encore une fois, il ne s'agit pas d'interpréter ou de composer laborieusement, ni de se dépasser en trahissant son émotion dans le seul but de captiver son auditoire. Il est plutôt question d'être complètement plongé dans son activité, et de se trouver dans un état ultime de concentration, de plein engagement et de satisfaction dans son accomplissement. Aujourd'hui, nous avons pu assister à quelques interprétations bouleversantes. C'était exceptionnel, bravo !

(Discours critique que j'ai prononcé à la fin du « 29e concours musical de Shimamura » à la Salle Kioï à Tokyo en 2016)

Quelques ensembles, d'un niveau faible l'année dernière, ont beaucoup progressé, aussi le niveau général de ce concert est-il meilleur cette année. C'est magnifique !
L'ensemble à cordes est monochrome. Quel est l'attrait du monochrome, particulièrement de l'ensemble à cordes pincées...? Si on imite un orchestre ou un ensemble à vent et percussions qui produit facilement des sons riches, d'abord le volume est trop difficile à obtenir. Au contraire, il y a l'attrait de l'ensemble à cordes pincées, que ni l'orchestre ni l'ensemble à vent et percussions ne peuvent atteindre. Le choix n'est pas infini. En tirer le meilleur parti est bien la création.
Choisir une œuvre pour sa belle mélodie ou pour son rythme stylé, ce n'est pas mal. Choisir des arrangements des œuvres de la période romantique à l'italienne qui sont plutôt optimistes et font partie du répertoire de l'ensemble de mandolines, ce n'est pas mal non plus. Mais, est-il vraiment nécessaire d'oser les interpréter en ensemble à cordes pincées ?

Alors, quel est l'attrait du monochrome ? On trouve la réponse dans l'expression : « Cinq couleurs dans l'encre de Chine.» Elle signifie qu'on peut exprimer les couleurs innombrables avec l'encre de Chine. Si on ne limite pas la musique aux périodes qui vont du baroque au romantique, mais qu'on l'ouvre de la musique folklorique à la musique contemporaine, on trouvera beaucoup de morceaux qui conviennent à l'expression comme l'encre de Chine.
Je souhaite des interprétations qui ne sont pas évaluées selon la formule ambiguë « Bonne interprétation pour des lycéens. » Une expression féroce, ou une expression dont on pourrait penser qu'elle cherche à nous provoquer, ces expressions feront peur aux membres du jury qui penseront : « Si on permet une telle musique, c'est notre existence qui est menacée ! »... C'est la musique qui exploite une nouvelle époque. S'il n'y a pas une seule œuvre qui vous soit agréable, on peut la composer. On peut demander à un compositeur de créer un morceau qui ait les caractéristiques que vous souhaitez. Dans le monde créatif, on peut faire tout ce qui n'est pas interdit par la règle. J'espère que naîtra à Shizuoka un ensemble qui étonnera le Japon !

(Discours critique que j'ai prononcé à la fin du « 19e Concert des ensembles de mandolines et de guitares de l'Association Culturelle des Lycées de Shizuoka » en novembre 2015)